ENSO Fund

История Джуди

2021-03-08T06:47:46.166Z

Профессор, уважаемый историк, пообещал, что на последнем занятии мы будем говорить о женщинах, внесших вклад в историю западной мысли. Я с нетерпением ждала целый семестр, и на последнем занятии преподаватель гордо провозгласил: "Вклад женщин в историю западной мысли таков: его не было". Я была уничтожена этим заявлением...

На начало 1970-х годов пришелся расцвет второй волны западного феминистского движения. Помимо требований равных прав и возможностей для женщин в политике, на рабочем месте и дома, сексуальной свободы и права распоряжаться собственным телом, американские активистки и художницы стали бороться за равные возможности и свободу самовыражения в искусстве. Джуди Чикаго (1939 г.р.) придумала термин «феминистское искусство» и основала первую феминистскую художественную программу в Соединённых Штатах. В 1974 году она приступила к масштабной инсталляции «Званый ужин», о которой мы хотим поговорить сегодня.

Джуди Чикаго, 2019. photo by Lisa O'Connor

«Званый ужин» — это треугольный банкетный стол, подготовленный для воображаемой торжественной встречи выдающихся женщин, живших в разные исторические эпохи. Стол сервирован на 39 персон, с каждой стороны стола расположено по 13 мест, каждое место подписано именем одной из знаменитых художниц, писательниц, богинь, правительниц и поэтесс. Тринадцать женщин по каждую сторону стола в инсталляции Джуди Чикаго отсылают к знаменитой фрески Леонардо да Винчи, на которой изображена последняя трапеза двенадцати апостолов и Христа. Как и «Тайная вечеря», с которой начинается искусство Ренессанса, «Званый ужин» стала переломным моментом истории искусства своего времени.

Своей работой Джуди Чикаго отдает дань уважения и почести своим предшественницам и современницам, подчеркивая, как непростительно мало внимания уделяется в обществе женским достижениям, а некоторые имена намеренно стираются из истории. Все места за столом оформлены по-разному, символически отсылая к деятельности той или иной персоны: застелены изящные скатерти с вышитыми именами женских персон и символами её достижений. Для каждой предназначалась тарелка с изображением цветка или бабочки, напоминавших женскую вульву - одну из самых табуированных частей женского тела. У каждой расположена салфетка, бокал или стакан, салфетка и посуда.

Важной частью инсталляции является «Этаж наследия» — треугольная основа, на которой стоит стол. Она покрыта керамическими изразцами с именами 999 женщин, внёсших важный вклад в развитие равноправия и улучшение жизни женщин. По мере того, как линия времени сходится к настоящему, пластины становятся все более и более трехмерными, символизируя растущую свободу и политическую власть женщин. Треугольная форма стола и расписанных золото плиток, имеет особое значение, поскольку треугольник издавна считался символом женщины.

На создание работы ушло 6 лет и 250 тысяч долларов. Первые 3 года Чикаго работала одна, затем в проекте приняли участие более 400 человек, преимущественно волонтеры. Впервые «Званый ужин» был показан широкой публике в Музее современного искусства Сан-Франциско в 1979 году. За три месяца экспозиция привлекла более 100 000 посетителей, но вызвала шквал критики со стороны общественности. Работа, несмотря на сопротивление со стороны художественной общественности, гастролировала в 16 местах в 6 странах на 3 континентах, охватив зрительскую аудиторию в 15 миллионов человек. С 2007 года находится в постоянной экспозиции в Бруклинском музее, Нью-Йорк, США.

Полный список имен женщин, включённых в экспозицию «Званого ужина».

Грань I: от доисторических времён до Римской империи

1. Первородная богиня

2. Богиня плодородия

3. Иштар

4. Кали

5. Богиня со змеями

6. София

7. Амазонка

8. Хатшепсут

9. Юдифь

10. Сапфо

11. Аспасия

12. Боудикка

13. Гипатия

Грань II: от начал Христианства до Реформации

14. Марцелла

15. Бригитта Ирландская

16. Феодора

17. Хросвита Гандерсгеймская

18. Тротула Салернская

19. Алиенора Аквитанская

20. Хильдегарда Бингенская

21. Петронилла де Мит

22. Кристина Пизанская

23. Изабелла д’Эсте

24. Елизавета I

25. Артемизия Джентилески

26. Анна Мария ван Схурман

Грань III: от Америки до Женской революции

27. Энн Хатчинсон

28. Сакагавея

29. Каролина Гершель

30. Мэри Уолстонкрафт

31. Соджорнер Трут

32. Сьюзен Энтони

33. Элизабет Блэкуэлл

34. Эмили Дикинсон

35. Этель Смит

36. Маргарет Сэнгер

37. Натали Барни

38. Вирджиния Вулф

39. Джорджия О’Киф

Бабочки в животе

2021-02-14T08:53:17.476Z

В День св. Валентина любовь накрывает планету, напоминая, что от бабочек в животе никуда не деться. А раз речь зашла о бабочках, добрым словом вспомним любителя красивых насекомых Дэмиена Хёрста.

Фото: Oli Scarff/Getty Images

Дэмиена Хёрста представлять не нужно – пожалуй, самый известный художник современности, чье искусство модно, дорого и концептуально. Именно Хёрст поместил тигровую акулу длиной 4,3 метра в аквариум с формальдегидом. В 2004 году инсталляцию продали за 12 млн. дол.

Дэмиен Хёрст "За любовь Господа" (For the Love of God), 2006, платина, бриллианты, 17,1 х 12,7 х 19,1

В 2006 году он создал скульптуру «За любовь Господа» - платиновый череп, инкрустированный бриллиантами, на который ушло 8 601 драгоценных камней весом 1106,18 карата. Главным элементом композиции стал розовый алмаз грушевидной формы в центре лба. Единственный натуральный элемент работы – это настоящие человеческие зубы. Хёрст потратил на работу около 14 миллионов фунтов стерлингов. В то же время одной из центральных и самых успешных тем оставались бабочки. Художник использовал их как объекты живописи, фотографировал их, создавал из них инсталляции. И рынок перегрелся.

В 2008 году Херст объявил, что прекратит выпуск нескольких серий своих работ, включая серии с бабочками. Однако сказать проще, чем сдержать слово. Уже в 2012 году в Tate Modern на ретроспективной выставке, которая на тот момент была второй по посещаемости за всё время существования музея, общественность только и говорила об инсталляции Хёрста «Влюбиться и разлюбить» (In and Out of Love). Художник в две комнаты без окон запустил тысячи живых бабочек, которые появлялись из коконов, свободно летали, питались, размножались и постепенно умирали.

Дэниел Хёрст. «Влюбиться и разлюбить» (In and Out of Love).

После данного инцидента представители Благотворительного Фонда защиты животных RSPCA подвергли художника жёсткой критике. Активисты из британского «Королевского общества защиты животных» (RSPCA) и организации «Люди за этичное обращение с животными» (PETA) обвинили Дэмиена Херста в убийстве 9000 тысяч тропических бабочек. По данным, предоставленным галереей Тейт, столько насекомых погибло за 23 недели выставки. В среднем каждую неделю в выставочных залах умирало около 400 особей, вместо которых привозили новых. Некоторые бабочки попадали под ноги посетителям, другие повреждали крылышки от контакта с людьми. Виды тропических бабочек, использованные на выставке, в диких условиях живут до девяти месяцев; их жизнь в замкнутом пространстве длилась от нескольких часов до нескольких дней. В RSPCA полагали, что эти насекомые заслуживали лучшей участи.

"Есть четыре важные вещи в жизни: религия, любовь, искусство и наука. Даже в своём лучшем проявлении они - лишь инструменты, которые помогают нам найти путь в темноте. Ни один из них на самом деле не работает, но они помогают".
Дэмиен Хёрст.

Однако по задумке Хёрста зритель должен был окунуться в размышления о бренности бытия. Отсюда увлечение бабочками. Такой вот парадокс - знак мимолетности жизни и совершенной красоты в одном флаконе.

Однако живопись Дэмиена Хёрста не несёт в себе такой радикальной идейной нагрузки и сложности исполнения, как его скульптуры и инсталляции. Они обращены к эмоциям и чувственному опыту смотрящего.

В Лондоне осенью 2019 года у художника впервые за семь лет прошла выставка «Мандалы». Зрителю была представлена серия картин, в которых Хёрст вновь вернулся к бабочкам и узорам из них. На полотнах были изображены цветные круги-калейдоскопы, именуемые в восточных религиозных практиках мандалами. Этот сакральный символ знаменовал собой миропорядок и модель Вселенной. «Мандалы» продолжили темы, затронутые в более ранней серии Херста «Калейдоскопы», где плотно приклеенные друг к другу мертвые бабочки создают узоры, напоминающие оптический прибор.

Во время первой волны пандемии весной 2020 года Дэмиен в честь Национальной службы здравоохранения Великобритании (NHS) создал арт-объект - радугу с разноцветными крыльями бабочек, которая стала символом надежды.

Так что Viva! бабочкам, которые вдохновляют на прекрасное и вечное...

Линия красоты

2021-02-01T13:38:43.185Z

Последние годы интерес к каллиграфии заметно растет. Свой вклад в этот процесс внес Стив Джобс, по нашему скромному мнению. Он являлся примером для миллионов поклонников, и его слова об уроках каллиграфии у монаха-трапписта Роберта Палладино не могли остаться незамеченными. Джобс посещал занятия Палладино в портлендском колледже Рид, о чем он упомянул в своей знаменитой речи в Стэнфордском колледже годами позднее. «В кампусе каждый постер, каждый ярлык на ящике был красиво написан от руки. Поскольку меня отчислили и я не был обязан посещать обычные классы, я решил изучить каллиграфию. Я обучился шрифтам serif и sans serif, узнал о разных промежутках между комбинациями букв, и о том, что делает великолепные шрифты великолепными. В этом была красота, история, артистическое изящество, которое не могла охватить наука, и я нашел это увлекательным. Ни в чем из этого не было и намека на практическое применение в моей жизни. Но 10 лет спустя, когда мы создали первый компьютер Macintosh, все вдруг пригодилось. И мы применили все это в Mac. Он стал первым компьютером с красивыми шрифтами. Если бы я не попал на тот курс, у Mac никогда бы не было многочисленных типов шрифтов или шрифтов с пропорциональными промежутками», — говорил Джобс.

Помимо Стива у Палладино были другие, ставшие знаменитостями студенты, включая Самнера Стоуна, известного дизайнера Adobe, создавшего шрифт ITC Stone.

Последние пару лет в геометрической прогрессии растет популярность занятий каллиграфией среди миллионов поклонниц герцогини Сассекской. В молодости Меган Маркл подрабатывала, занимаясь изготовлением написанных вручную приглашений на свадьбу. И до того, как стать узнаваемой актрисой, преподавала каллиграфию в Беверли-Хиллз. Крупнейшая в Великобритании розничная сеть супермаркетов декоративно-прикладных искусства Hobbycraft связала увеличение спроса на товары для каллиграфии на 40% с «эффектом Меган».

Неважно по какой причине, мы обеими руками «за», если люди решают заниматься каллиграфией. Хотя бы потому, что акт письма — это самый трудоемкий процесс, совершаемый человеком: в нем «участвуют» практически все части тела, начиная от пальцев рук, ладоней и запястья и заканчивая плечами, спиной и ногами.

Тем не менее, каллиграфия — это больше, чем красивый почерк и развитие полушарий мозга человека. Каллиграфия — Искусство, которое выставляется в музеях, за которым «охотятся» коллекционеры и которое своим присутствием в частном или публичном интерьере может менять пространство. Каллиграфические работы влияют на восприятие мира. Рассматривая линии, связанные в буквы, кто-то находит ответы на мучившие вопросы, кто-то — определение красоты, кто-то ощущает «движение духа». Подобный эффект сложно объяснить словами, но мы постараемся на примере.

Вэнь Чжэнмин. Четыре стихотворения скорописным шрифтом . 1512-1515

В Древнем Китае каллиграфия появилась и успешно развивалась гораздо раньше живописи. Поэтому, когда китайская живопись возникла как отдельное искусство, она оказалось очень каллиграфичной: создавалась на том же материале (кисть тушь, бумага, шелк) и по тем же правилам написания. Этим также объясняется своеобразие восточного рисунка: тонкого, полупрозрачного, построенного на сочетании различных линий, каждая из которых написана в определенной манере. Например, на листе изображен бамбук. Мы с вами кроме бамбука можем ничего и не увидеть. А человек, постигший суть искусства каллиграфии и «ощущающий движение духа», отметит, что ствол бамбука написан одним стилем, колена — другим, ветви — третьим, а листья — четвертым. И в этом сочетании линий и приемов он вдруг почувствует то, что хотел передать художник — ветер, который шевелит бамбук.

Нильс Мюльман

Современный каллиграф продолжает искать возможности для самовыражения. Как и тысячи лет назад, через буквенные знаки и тексты он пытается вызвать волнение разума и сердца.

Николай Гольдман, «Гравитация», 2018, бумага, тушь, 40×60 см

Среди владивостокских каллиграфов один из самых заметных — Николай Гольдман. В работах автора объектом исследования часто является Вселенная. Так, «Gravity» — высказывание художника о гравитации как причине начала и конца любых взаимодействий. С гравитации все начинается и ей все заканчивается. Заметьте, что начало и конец слова Gravity перекликается с началом и концом круга «энсо»*, написанного поверх слова Gravity.

*энсо — каллиграфический символ в виде круга, в восточной каллиграфии образ совершенства и гармонии, «облик реальности». Принято считать, что характер художника полностью проявляется в том, как он рисует энсо. Только тот, кто обладает чистым и цельным духом, может создать настоящий энсо.

Если после прочтения статьи хоть один человек начнет смотреть на каллиграфические работы как на уникальное произведение, найдет свою работу
и принесет в свой дом, наш труд не напрасен.